Nicola Mari è un personaggio singolare, difficile da inquadrare nel contraddittorio panorama del fumetto italiano.  Certamente si tratta di un artista tormentato, nevrotico, che soffre la propria condizione come un male.
A dispetto della giovane età e di una produzione limitata, che si esaurisce quasi interamente nella sua collaborazione con Bonelli,  è già diventato - suo malgrado, verrebbe da dire - un piccolo capo scuola, per le tante influenze e gli stimoli che ha saputo suscitare tra i colleghi. Corteggiato inutilmente da vari editori in Italia e Francia, indicato da alcuni come il nuovo Ferenc Pinter, finora ha fatto davvero pochissimo per assecondare una carriera già costellata di riconoscimenti (tra cui anche lo “Yellow Kid” come miglior disegnatore al Salone Internazionale dei Comics). Egli ha sempre preferito restarsene appartato, quasi isolato  dal mondo del fumetto e dell’illustrazione. Tuttavia è uno dei pochi disegnatori italiani capaci, in questi ultimi anni, di tracciare un segno rilevante e, non a caso, è uno degli autori più apprezzati all’estero. Artisti come Jean Giraud e Mike Mignola ammettono di essere suoi grandi estimatori e vorrebbero lavorare con lui.
Ha scritto sull’ “Unità”, Antonio Faeti: “I disegni di Nicola Mari riprendono e glorificano la nostra tradizione grafica fumettistica e illustrativa. E’ così bello il segno di Mari, così bello e pieno, da ritrovare Rubino mentre non gli dispiace Sironi, da rendere omaggio a grandi, a sommi come Beppe Porcheddu, mentre ama la schietta lezione espressionista della scuola romana”.
Per il critico Alberto Becattini, “Mari è oggi il maggior rappresentante italiano della “Linea Scura”, che ha saputo applicare con successo tanto al genere fantascientifico (“Nathan Never”), quanto a quello orrorifico (“Dylan Dog”)”.
La “Linea Scura”, intesa come corrente stilistica nata nell’ambito dei comics americani, trova le sue radici nei contrasti di luci e ombre dei film espressionisti tedeschi degli anni Venti, dove i personaggi erano ridotti spesso a maschere irreali, perché in questo modo potevano tratteggiare meglio il disagio dell’uomo e il malessere sociale della Germania pre-nazista.
Le ombre espressioniste dei film di Murnau, Lang, Von Stroheim, avanzavano lente sullo schermo, sovrapponendosi alle figure reali, quali simbolo e presagio di un oscuro futuro.
Le stesse ombre e luci influenzarono il cinema americano degli anni Trenta e Quaranta, da  Orson Welles ai maestri minori del “film noir”, e da lì confluirono nel fumetto, grazie all’apporto fornito da autori quali Douglas Sickles, Milton Caniff, Will Eisner, Frank Robbins, Alex Toth e, in tempi più recenti, Mike Mignola e Frank Miller.
Non è certo un caso che le tavole di questi stessi autori, così come il cinema espressionista, siano riconosciuti da Mari come le principali ascendenze delle proprie icone. 
Anche nei suoi fumetti i personaggi stilizzati tendono a prendere il sopravvento sulle scenografie, studiate spesso in funzione dell’effetto psicologico che devono rendere le immagini nel loro complesso.
Questa tendenza a sintetizzare graficamente gli sfondi, è meno evidente in “Nathan Never”, serie popolare di fantascienza, in cui il look tecnologico è uno degli elementi portanti e il segno è più controllato. Dove invece l’idea grafica di Mari si evidenzia appieno, è piuttosto nelle illustrazioni o anche in alcune brevi storie realizzate tempo addietro per “Glamour” e per “Glitering Images”. Due in particolare vengono alla memoria: “L’Opera buona di madame Enerev”, dove le figure stilizzate si fondono con scenografie essenziali composte da ossa e teschi e “Justine Jones Inferno”,  dove i corpi nudi si uniscono a chitarre elettriche, borchie e altri simboli della cultura rock .
Ma dato che Nicola Mari si affaccia al mondo del fumetto alla fine degli anni Ottanta ed è contemporaneo di quel Mike Mignola autore di “Gotham by Gaslight”, “Dracula”, “Hellboy”, e del Frank Miller di  “The Dark Knight Returns” e “Sin City”, viene da chiedersi quali paure annuncino le  ombre che invadono le immagini di questi tre autori e di quali angosce, di quali ansie ancestrali e nevrosi siano portatrici.
Il tema è complesso, però, si può azzardare un’ipotesi e cioè che questi autori, magari inconsciamente, con il loro tratto poco rassicurante, abbiano, in fondo, annunciato un’epoca contraddittoria e inquietante: questa fine secolo caratterizzata dal crollo dei sogni, degli ideali e delle speranze, dal vuoto di valori, dalla mancanza di certezze.
Quando la “Linea Scura” si riaffaccia sulle pagine dei giornali a fumetti, sono ancora gli anni di Reagan e della signora Teacher, di Michael Jackson e Madonna, della fine del movimento punk e della rinascita di Berlino come capitale della cultura giovanile.
Proprio da Berlino, dallo storico quartiere di Kreuzberg, arrivano segnali importanti nell’ambito della video-art e della musica (con il post “kraut-rock”). In terra tedesca,  una band  di Reggio Emilia, i “CCCP”, inizia in quegli anni la sua strada di rock, teatro e poesia. Insieme al gruppo teatrale “Falso Movimento”, dà vita a perfomances dove la realtà è rappresentata nel modo più crudo e impietoso.
I “CCCP”, emiliani, eredi del punk e della cultura comunista della loro terra, sono anche uno dei gruppi prediletti da Mari, disegnatore di Ferrara. Tutto ciò non può essere casuale. Come non è casuale che Mari abbia un passato di musicista in una band che  si ispirava ai gruppi tedeschi come i “Can”, i “Faust” o i “Kraftwerk”.
Non può essere casuale neppure il fatto che, nel 1986, il fumetto italiano abbia registrato la nascita di un eroe anomalo come “Dylan Dog”, che, da un lato ha sancito e istituzionalizzato, portandola nell’ambito del serial popolare bonelliano, la contaminazione tra i media (cinema, musica, letteratura, teatro, pittura); da un altro lato, il personaggio creato da Tiziano Sclavi, ha dato il via alla moda dell’horror, anticipando un ritorno del gotico che poi si consoliderà a più livelli, non solo in Italia (basti pensare al cinema americano o anche al successo di libri come quelli della collana Mondadori “Piccoli Brividi”).
Sulla scia di “Dylan Dog”, le edicole vennero invase da fumetti dell’orrore: “Splatter”, “Mostri”, “Gordon Link”, “Gore Scanners” e molti altri. Ed è proprio tra questa produzione, che Nicola Mari si mise in luce prima di approdare alla Bonelli.
Quando arrivò per la prima volta nella fabbrica delle idee di via Buonarroti, a Milano, aveva realizzato delle tavole di prova per “Dylan Dog”, personaggio a cui si sentiva naturalmente portato. Venne, invece, dirottato, inizialmente, su una nuova testata, la nascente “Nathan Never”.
Non era una scelta sbagliata, quella dell’editore, tutt’altro. Nel futuro in cui si muoveva “Nathan Never” non c’era niente di rassicurante, ma emergevano più che mai le inquietudini dell’individuo. Si era in quel genere di fantascienza vicina a film come “Blade Runner”, a fumetti giapponesi come “Akira” e “2001 Nights”, o ai romanzi “cyberpunk” del canadese William Gibson. Ma in “Nathan Never” - che nasce nel 1989, anche se le pubblicazioni iniziano nel giugno di due anni dopo - c’era pure qualcos’altro, perché, a ben guardare, nei fumetti italiani finì per riflettersi in maniera più netta che altrove, tutto il marasma di quel periodo: il reaganismo, la promessa del benessere attraverso la deregulation, il terzo mondo che esplodeva alle porte dell’occidente ricco, il rilancio senza limiti della competizione di mercato, la ripresa della corsa agli armamenti, il bluff dello “scudo spaziale americano”. E poi il crollo del muro di Berlino, l’ascesa e il declino di Gorbaciov, il disfacimento dell’impero sovietico, la Guerra del Golfo, ovvero “il più sanguinari dei massacri supertecnologici” (come lo definì Ramsey Clark, ex ministro americano alla Giustizia ). E in Italia anche Craxi e Tangentopoli.
Provare, per giunta dalla periferia dell’impero, a capire che cosa stesse accadendo, era decisamente problematico. Non appena si pensava di aver trovato una spiegazione le certezze svanivano, lasciando spazio a nuove paure, a nuove difficoltà di rapportarsi col presente.
In fondo, era proprio ciò che accadeva nelle storie di “Nathan Never” o nei controfinali di “Dylan Dog”.
E, allora, ecco spiegato perché le ombre e il segno cupo di Mari si rivelarono perfettamente congeniali alle storie pubblicate da Bonelli. Ed ecco perché il suo segno colto, raffinato, si è adattato benissimo al fumetto popolare.